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MESA REDONDA. APPROACH |
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El 21de mayo de 2009 en la Sala La Perrera tiene lugar una mesa redonda entre los artistas Mira Berbaneu, Aldo Iacobelli, Xisco Mensua y Chema López, junto al comisario de APPROACH, Nacho March.
La propuesta APPROACH se clausura con una mesa redonda, un diálogo, un debate, una toma de posiciones, en la misma Sala la Perrera en torno al concepto de Poética en la dialéctica autor-obra-espectador. En el debate se intercambian diversas opiniones acerca de una serie de problemáticas: la cuestión de la autoría y los límites de la identidad artística, la experiencia del arte desde la perspectiva del encuentro con el sentido, el fortalecimiento de la función del lector-espectador como lugar y espacio privilegiado de la interpretación, las posibilidades y limitaciones de entender la obra de arte desde el horizonte de la textualidad... MESA REDONDA. APPROACH:
De 14.00 a 14:15 apertura de la mesa redonda.
De 14:15 a 15:30 duración de la mesa redonda.
A partir de las 15:30 almuerzo entre los asistentes y artistas invitados. |
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INAUGURACION ·APPROACH · 15 DE MAYO DE 2009 A LAS 20.00H |
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APPROACH El propósito de este proyecto es fundamentalmente una indagación hermenéutica en el marco de una teoría de la interpretación. Approach se constituye partiendo de algunas premisas fundamentales de la denominada “estética de la recepción”. Una concepción de la experiencia del arte inaugurada y fundamentada por la hermenéutica filosófica contemporánea. Hace suyo en este sentido la “experiencia del juego” y desarrolla una propuesta de praxis creativa desde una serie de presupuestos cuya intención es básicamente hacer emerger una serie de problemáticas: la cuestión de la autoría y los límites de la identidad artística, la experiencia del arte desde la perspectiva del encuentro con el sentido, el fortalecimiento de la función del lector-espectador como lugar y espacio privilegiado de la interpretación, las posibilidades y limitaciones de entender la obra de arte desde el horizonte de la textualidad.
Cuatro artistas: Aldo Iacobelli, Xisco Mensua, Chema López y Mira Bernabeu. Cada uno de ellos viene desarrollando a lo largo de su carrera un más que consolidado trabajo de investigación. Tanto a nivel técnico-formal como de discurso-contenido un ejemplo claro de la construcción de un lenguaje contundente y personal.
Approach les propone abiertamente un ejercicio de des-vinculación, de toma de distancia con respecto a la identidad artística construida hasta el momento. Se trataría de crear obras cuya autoría no pudiese ser identificable en una primera aproximación. No es un experimento fácil, ya que evidentemente no es posible desaparecer, no dejar huella ni rastro... al fin y al cabo, la obra sigue siendo “suya”. Pero como dirá Barthes, no así el Texto que la obra despliega....
Lo que me interesa es generar un juego capaz de explicitar las resistencias que hayan podido encontrar tanto el autor en el proceso de creación -posibilidad, margen y sentido del distanciamiento- como el espectador -necesidad de una aproximación autónoma y productiva de sentido en el discurso que las obras proponen. El juego se clausura con una mesa redonda, un diálogo, un debate, una toma de posiciones, en la misma Sala la Perrera en torno al concepto de Poética en la dialéctica autor-obra-espectador. Nacho March Inaguración 15 de Mayo de 2009 a las 20.00h APPROACH es un proyecto de Nacho March para la Sala La Perrera |
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INAUGURACION EXPOSICION 'LIMITE, CAOS Y PAISAJE' 17 DE ABRIL DE 2009 A LAS 20.00H |
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 La ciudad como paisaje de singulares expuestos. (Acerca del símbolo abierto de la construcción)
El habitante de la ciudad, una ahora aquí, da forma a ese paisaje mientras se conforma en el. Se expone y expone en él su condición transitoria, indeterminada y estética. Muda de piel, abandona y se abandona a una exterioridad que le pertenece y a la que pertenece. Transita atropelladamente, entre sus propios hechos y desechos, se desenvuelve en una forma en la que no permanece, pero que si ocupa, de la que se hace dueña; aquella que le señala como circunstancia y en la que se inscribe como resultante.
Este ejercicio de relación material- espacial con la sala La Perrera, se produce en una situación forzada donde el habitante –aquí artista- se proyecta y establece en él lugar, sometiéndolo y sometiéndose a su vez.
Gesto y Resto es un colectivo de formación reciente, que se presenta por primera vez con esta instalación realizada específicamente para la sala La Perrera. Sus integrantes, Ane Miren Rodríguez, Ana Raquel Ruiz de Sabando y Aixa Takkal, han buscado una apropiación y ocupación del espacio a través de un “gesto”.
Este gesto, que no es más que un reflejo de cotidianeidad, un resquicio de intimidad desdoblada, es desde cierta lectura posible, una forma una profanar este espacio expositivo; una forma de anular el fundamento antropométrico de una sala de estar, una habitación, interfiriendo en los modos de transito y relaciones que habitualmente allí se sucedían. Una capa o superficie expresiva, material, de identidad y constitución propia, es el responsable de este intento de sublimación del gesto.
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INAUGURACIÓN 3 ABRIL 2009. JAVIER JIMENEZ Y EL COMISARIADO DE CATALINA MACAN |
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JAVIER JIMÉNEZ QUINTANA
PARADOJAS DE LA REPRESENTACIÓN
Presentación de las paradojas. (Acto reflejo inverso)
por Ricardo Forriols
Ocurrió con Joseph Kosuth y aquella estrategia suya de acompañar el objeto, cualquier silla, con su imagen (su documentación fotográfica), a la que después sumará su definición (su concepto); claro, a la fuerza y al final, en un último movimiento, esas obras quedaron sólo en acepciones y tanto el objeto como su imagen fueron sustituidos por el discurso reflexivo: la sola definición del término impresa, las palabras que encierran el concepto que opera por encima y a la vez que el objeto y su representación en nuestro pensamiento.
Este capítulo reciente nos pone en antecedentes sobre las especulaciones que se plantean cuando se mira el revés de la pintura, abocados siquiera al azogue del cuadro, tantas veces ventana y espejo, siempre superficie de dos caras. Una mirada que no es nueva, en todo caso curiosa, ciertamente ociosa; y que se encuentra en un punto diametralmente contrario, cinco siglos después, al desarrollo de las reglas de representación modernas que aparecen con el Renacimiento. En buena medida, más allá de la mímesis y la perspectiva, el ejercicio de la pintura en el último siglo puede entenderse como una búsqueda del absoluto, una investigación sobre su esencia que se fundamenta —ya lo había señalado Stravinsky en relación a la música— en el discurso reflexivo sobre la propia pintura, desde la misma pintura, para la pintura, insistiendo en sus márgenes, recorriendo sus límites, desvelando tantas reglas y trampas.
En ese mismo sentido, el discurso de Kosuth acerca de la pintura esgrimía el colapso y agotamiento de la misma al quedarse vacía, desierta. ¿Sería posible fugarse en todas direcciones cuando lo que falta es significado? Antes de formular la pregunta ya la había respondido Pollock: “Si dejasen en casa sus ideas preconcebidas y se limitasen a mirar el cuadro, no tendrían ningún problema para que les gustase. Es como mirar un seto de flores. No te tiras de los pelos intentando averiguar lo que significa.” Había que mirar de otra manera.
Me acuerdo del borde de los cuadros, hasta dónde llegan.
Me acuerdo de los cuadros que nunca he visto, de los cuadros que nunca nadie pintó todavía, de los cuadros que no son cuadros sino dispositivos.
Me acuerdo de lo que dice que hizo Georges Perec: “Colgué el cuadro en la pared para olvidarme que había una pared, pero olvidándome de la pared me olvido también del cuadro”; y de aquella idea del cuadro dentro del cuadro dentro del cuadro que mantiene la trama de su nouvelle titulada El gabinete de un aficionado. Miro al cuadro como el que se mira al espejo para confundirme con la pared, para dejar de verlo y así, pienso, se me aparece la imagen del último cuadro: por final, por definitivo, por perfecto. Por ejemplo, como sucede con Porte-Fenetre a Collioure de Matisse en 1914 —tan cerca del Cuadrado negro de Malevich.
Detrás, al fondo —si es que seguimos buscando el significado—, nos encontramos siempre ante “un jeroglífico necesario de interpretación”, que es como se refería Ortega y Gasset a los cuadros: una contradicción permanente entre sus signos patentes de la pintura y el sentido recóndito que éstos mantienen latente. Si es que significan algo que sea pertinente al discurso reflexivo de la pintura, ese algo es inversamente proporcional respecto de la simplicidad monumental que puede alcanzar un cuadro, cuando la alcanza y sólo si la alcanza.
Paradojas de la representacion
La ventana abierta por Javier Jímenez
Crear la ilusión de realidad, engañar al ojo ha generado no poco empeño y medios destinados a la consecución de tal fin. Desde aquella fábula de los griegos Seuxis y Parrasios, que competían por realizar la imagen más verosímil, pasando por la hija del alfarero Butades, que fija en la pared la sombra de su amante, la historia de la representación occidental, ha sido jalonada por del desarrollo de artificios cada vez más sofisticados para recrear de forma mimética una imagen del mundo. Será a partir del Renacimiento cuando se construye un modelo racional de mirar y representar la “realidad” basado en las leyes de la perspectiva monocular. Este ha sido el modelo visual hegemónico en la era moderna. Tal sistema hizo posible traducir el espacio tridimensional de la visión en perspectiva en una superficie bidimensional, en virtud de las reglas de transformación especificadas por Alberti en su libro De Pittura, quien acertó a definir el nacimiento de la pintura moderna con la metáfora de la ventana:
“ un vano de contemplación, esta es la naturaleza del objeto que llamamos pintura. Para pintar una superficie, lo primero hago un cuadro o rectángulo del tamaño que me parece, el cual me sirve como una ventana abierta, por la que se ha de ver la historia que voy a expresar, y allí determino la estatura de las figuras que he de poner[…]"La pintura estudia representar las cosas que se ven[...]
Para que la naturaleza se perciba como pintura-paisaje tiene que haber un corte, una delimitación. La dialéctica interior/exterior, hace posible el paisaje, que nace por oposición. Es el rectángulo de la ventana lo que convierte ese exterior en paisaje.
La culminación del artificio ilusionista alcanzada gracias a los avances tecnológicos de la imagen, que se consuman en su versión fotográfica y cinematográfica, tendrá como consecuencia la devaluación del naturalismo heredado del ideal renacentista. Se cierra la ventana, se baja el telón, poniendo fin a una larga tradición iconográfica y a una manera de representar el mundo. En efecto, el famoso cuadrado negro de Malevicht, también llamado el último cuadro, se propone como certificado de defunción, el momento dramático de la “renuncia al mundo visible” y representa el “grado cero” del desarrollo de la pintura, donde ésta comienza a cobrar sentido en el límite mismo de su desaparición.
El espejo
En la búsqueda de la semejanza que caracteriza nuestra cultura desde sus orígenes, el cuadro se entiende como un espejo de la realidad. El paradigma especular, no menos que la ventana albertiana se constituye como modelo a partir del Renacimiento. La pintura va a estar bajo el signo de Narciso, siendo fruto del amor a lo idéntico. Contemplar la superficie de la fuente como si fuera un cuadro. Si la sombra (estadio primitivo de la imagen), como mito fundacional de la pintura hacía referencia a lo otro, como trágico remedio de conjurar su ausencia, el reflejo (estadio evolucionado de la imagen) en el espejo, hace alusión a lo mismo. Mientras en la primera, el sujeto representado sólo es reconocible de perfil, o por su silueta, en el segundo éste es completamente identificable, es una representación frontal, del que está ahí presente.La paradoja de la nada
“Las paradojas son propósitos contra la opinión común”. Oponiéndose a la doxa, chocan contra el sentido común. Solicitan al espectador de forma más intensa de lo habitual, obligándole a comprobar la veracidad de su aserción y a desmontar el mecanismo que la hizo posible. La paradoja de la nada, a la que tanto se ha recurrido durante todo el siglo XX, nace sin embargo de la Reforma protestante, que activó el proceso por el cual la imagen cobra conciencia de sí misma. Esta autoconciencia se asumirá sin ambages en la pintura flamenca del siglo XVII, que planteándose problemas en torno a la función, la recepción y el contexto, funda en su dialéctica la noción moderna de arte. Hacer una imagen es hacer un ídolo, y eso equivale a nada, ya que el Ser, lo trascendente no puede ser representado. Hay un profundo escepticismo sobre la validez de la imagen y un intento de destrucción de la misma.
Hablar de nihilo es hablar del cuadro titulado Cuadro al revés, de Cornelius Norbertus Gijbrechts, un maestro del discurso metapictórico de su época. Es difícil encontrar en su tiempo una meditación más radical, que se adelanta en casi cuatro siglos al cuadrado negro. Cuadro al revés, constituye una brillante pirueta retórica y a la vez una profunda reflexión, que no niega la representación sino que representa su propio negativo.
Este cuadro cierra una época en la que asistimos al nacimiento del arte pictórico como problema. Su experiencia, paradójicamente antes que ser un final, se propone como acto inaugural del nacimiento de la conciencia de la pintura. De su ser, de su nada.
CATALINA MACAN (COMISARIADO)
ARTILUGIO CHILENSIS
ARTISTAS: Pilar Saavedra, Camila Valenzuela, Luis Hinojosa, Catalina Macan, Felipe Cusicanqui, Jojo Fuentes, Raimundo Edwards, Marina Piracés. (AD)Versus Artilugios Chilensis
Artilugio solo puede ser causa de curiosidad. En la treta, en el desvío y en la maña que mienta esta palabra solo alcanza la afirmación de un dar vueltas, versus, para rodear aquello que aprecia y hace específica esta muestra y reunión: mostrar de lejos, de cerca, aquello que puede ser considerado lo chileno. Solo se puede responder, esto es, contestar, discutir, en fin, hablar de esta serie artística desde este rodeo, desde esa doble posición del discurso, de este discurso, que no logra tocar la obra de arte –jamás ha podido o querido hacerlo-, pero que a la vez excede o agrega un plus a aquello que se muestra en cuanto obra: obrar, poner en figura, poner en palabras, solo arriesga la imposibilidad de señalar, quizá y con mucha suerte, otear aquello que el propio artilugio, en su audaz afirmación de artificialidad, no puede decir, tampoco indicar, menos aún tocar. La obra de arte, en su vocación moderna, tenía por imperativo, recordemos, mitigar y solapar su aire artificial, su técnica, a través de la presentación de la naturalidad: la obra de arte es más obra cuando ella esconde su forma y regla de producción. La idea de artilugio, en cambio, un poco más cerca nuestro, y más cerca de las diversas propuestas que podríamos etiquetar sumariamente como arte contemporáneo, ha querido, ha hecho manifiesto también, su afirmación técnica, su alejamiento de aquella naturalidad que era el cumplimiento, también la deseada perfección de todo proyecto moderno en arte. Responder al artilugio, al artefacto, al artificio solo puede ser posible así, afirmando/negando su poder de engaño, de decepción, del placer que conlleva la puesta en presencia de un efecto de lo real; no su prueba o cotejo con lo real al modo de un contraste imitativo, sino la evidencia, y también su exceso, de su propia puesta en obra, de su artificialidad, de su técnica, de su, arriesgamos, contra natura. En esta imposibilidad se cifra nuestra ya fracasada y por ello arrogante tentativa, un adversus por lo de más siempre lo es, el querer conferir sentido a aquello que escapa toda vez de él, que arrastra en devenir a las palabras que no logran decir, señalar, informar aquello que se muestra por su propio artilugio, queremos decir artificio, de su presentación.
O bien, acontece que esta misma imposibilidad de la referencia se cumpla en el desvío y la jugarreta implicada en todo artilugio, operando este imposible que ya señalamos, en aquello que esta serie se propone conjurar, esto es, de Chile: subrayamos así el genitivo chilensis único índice, solo alusivo como en todo artificio, que coliga esta exposición. El artificio, en fin, pareciese articular, conjugar, operar aludiendo a través de ese de que marca esta siempre difícil relación al origen, unas veces por el acabamiento de lo autóctono (Hinojosa-Macan), por la fuga de lo cotidiano (Piracés-Valenzuela); otras aludiendo de modo enfático al declive de lo religioso y ancestral (Edwards-Saavedra), o bien, mostrando la violencia e inocencia de lo animal (Cusicanqui-Fuentes). Parece ser que lo que asimila o coliga esta serie de obras heterogéneas que aquí se presentan sea esa falla con el original, en la imposibilidad de llegar a tocar aquello que se propone, técnica y culturalmente, como lo chileno. No podría, a nuestra visión, ser de otra forma, ya que lo que se pone en juego, en jugarreta también por la afirmación del artilugio, no es sino sobreimprimir en esta imposibilidad, esbozar o delinear o tachar, como se quiera entender, esa diferencia, esa diversidad con que se propone esta exposición. Lo que se expone, entonces, es la potencia del artilugio como cuidadosa técnica del matiz, del detalle, y la puesta en obra de su propia insignificancia. El artilugio no puede sino afirmarse como matiz, ser más y menos que un simple mecanismo o artefacto productor de generalidades. Es el arte del detalle como diferencial, como poética de la mezcla que afirma la semejanza de lo diverso consigo mismo, sintetizadora no de individualidades, sino de particularidades. Como recordábamos más arriba, la brecha entre lo moderno y lo contemporáneo, entre lo viejo y lo nuevo del mundo no puede ser sino la puesta en obra del matiz como artificio o artilugio del detalle, que nos pone en presencia y nos expone, un lugar descentrado que bien podría ser nombrado como una política del mestizaje y su reverso, un fuera de lugar y de posición que distribuye todo localización posible.
Miguel Ruiz Stull
Universidad de Chile
Universidad Diego Portal |
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INAUGURACIÓN 27 MARZO 2009. PROYECTO INVITADO COMISARIADO POR JUAN JOSÉ MARTÍN |
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Nimiedad(es) es una exposición de Juan José Martín para Sala La Perrera. Artistas participantes: Greta Alfaro, Tania Blanco, Ernesto Casero, Sergio Luna, Juan José Martín, María Ortega, Marta Pina, Esther Rivas. Nimiedad: 1. Pequeñez, insignificancia. 2. Exceso, demasía. 3. Prolijidad, minuciosidad. NIMIEDAD(ES) es una exposición colectiva formada por piezas de pequeño formato y extraña factura, curiosidades de “antropólogo artístico”, con el objetivo de mostrar de una manera más peculiar el trabajo del artista al que representan. Lo que más me gusta cuando visito el estudio de un compañero, mucho más que contemplar los trabajos terminados, es dialogar con el artista sobre su obra, sus inquietudes artísticas, personales, acerca de sus lecturas, a la vez que curioseo entre los libros de las estanterías, las revistas, los recortes y fotografías de la mesa de trabajo; observar entre los bastidores con telas desechadas, los dibujos apilados o los objetos que se amontonan en un cajón pero que nunca se tiran porque significan muchísimo personalmente aunque nunca se lleguen a mostrar; ver los garabatos que se hacen a la vez que se habla por teléfono o el entretenimiento que cada uno tiene para pasar el rato, una tarde de domingo o el tiempo muerto.
INAUGURACIÓN VIERNES 27 DE MARZO 20:00 HORAS
HORARIO DE VISITA DE LA SALA: DE DOMINGO A SABADO DE 17.30H a 20.00 h HASTA EL 1 DE ABRIL DE 2009 |
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INAUGURACIÓN 6 MARZO 2009. PABLO CAPITAN Y COLECTIVO DFORMA |
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La Sala La Perrera se complace en invitarle a la exposición individual de Pablo Capitán y a la muestra audiovisual del colectivo D-forma . |
PABLO CAPITÁNLA MECÁNICA Y EL GESTO
[...] Anacoluto o solecismo.
Construcción anómala de la frase que llega a romper la gramaticalidad normativa de la misma, por lo general por haber cambiado el que pronuncia o escribe de idea a mitad de su desarrollo. Tal como está planteada la definición se generan varias líneas de enunciado simultáneas, ya que la misma definición aloja también su propio solecismo. Por ejemplo, ateniéndome a la sintaxis de la frase, podría leerse sencillamente: el que escribe o pronuncia cambia de idea a mitad del desarrollo de esa idea; pero también se enuncia: El que escribe o pronuncia lo hace “de idea”; ¿que significaría escribir o pronunciar de idea?; ¿o bien la partícula “o” expresa aquí disyunción de diferencia, y se habla de que el que pronuncia sólo pronuncia, y es el que “escribe de idea” el que ha cambiado a mitad? Si se sigue desplegando el enunciado y se entiende que “o” no es disyuntiva sino que denota equivalencia (lo cual aquí ya tendría cierto peso como gesto) se puede leer sencillamente: el que escribe o pronuncia ha cambiado a mitad de (la) idea. O bien, asumiéndole a él también: el que escribe o pronuncia ha cambiado a mitad de su desarrollo, de idea. Ese “su” hace entonces referencia al que escribe o pronuncia y es por tanto él un sujeto afectado de un desarrollo que ha cambiado a mitad. Y lo siguiente es: si el que pronuncia o escribe ha cambiado a mitad de su desarrollo (de él), pero la frase ha sido hecha, la construcción ha sido concluida, entonces: ¿es la parte de lo pronunciado o escrito, a partir de la mitad, una delegación del autor en la idea? y también, distributivamente, el que escribe o pronuncia ha cambiado a mitad la idea, el desarrollo de la idea, a sí mismo, y el desarrollo de ambos (la construcción anómala). Después de estas preguntas gramaticales por sujetos y atributos, siguen otras del tipo: ¿con qué forma mental se acometería un pensar en la mitad de un escribir de idea o de un pronunciar de idea? ¿O tan siquiera un haber cambiado a mitad? También las de este otro | campo: ¿Se puede describir como que el autor escribe y el espectador pronuncia? O bien, llevado a las palabras de esta tesis: ¿pronunciar es (más de) gesto y escribir (más de) mecánica? ¿No viene a parecer todo el párrafo anterior una gesticulación del lenguaje? ¿Que significaría que el lenguaje empiece a gesticular[...] La mecánica y el gesto. Págs.35-36
D-FORMA DVD-FORMA
D-Forma es un grupo de artistas que pretende reflexionar, por medio de diferentes iniciativas, en torno a las diferentes relaciones entre el arte y los medios digitales. En estos momentos está formado por 8 componentes repartidos entre México DF y Barcelona. D_forma funciona en base a colaboraciones. Dentro del colectivo cada artista trabaja a nivel individual, en subgrupos, con todos los miembros de la asociación, o incluso con personas ajenas a la misma. Esta forma de trabajar hace que D_forma funcione como un nodo donde cada uno aporta sus habilidades e intereses para desarrollar los diferentes proyectos. El punto de conexión de D_forma se encuentra actualmente en el taller 08 de Hangar. Desde aquí coordinamos, desarrollamos y gestamos siempre con el mismo objetivo: dar forma a proyectos y deformar, a través del lenguaje artístico, el mundo que nos rodea. Desde su formación el colectivo ha participado en eventos como el Festival Off Loop 08 (Barcelona); Aptitud para la Armas, Injuve (Madrid); Eutopía 07 (Cordoba); II Jornadas de Arte e Internet en Can Xalant (Mataró); IDN 07 (Barcelona); VAD Festival (Girona); CeC & CaC (Nueva Delhi); o el Video Short (Amsterdam) entre otros. |
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INAUGURACIÓN DE "EL RIZO DE TU PELO NEGRO" |
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NOTA DE PRENSA: EL RIZO DE TU PELO NEGRO La Sala la Perrera de Valencia se complace en invitarle a la exposición colectiva "El rizo de tu pelo negro", una sugerente exposición que aborda a uno de personajes más enigmáticos de nuestro presente, Barack Obama. Sin que la exposición se convierta en una debate ni apología de la política de señor Obama, si nos invita a adentrarnos en este singular ídolo de masas y con ello una escueta reflexión de la cultura afroamericana en norteamerica. Evidentemente Obama representa un símbolo, alterado o no por los medios de masas y el merchandising de la política de este país, es un paso de gigantes para la raza negra y la hermandad en un país donde la realidad multirracial y multiracista es patente. Durante la década de los 50 y 60 la la sociedad americana afrontaba uno de sus momentos más amargos ya que el racismo impregnaba el territorio Estadounidense a pesar de que la esclavitud había sido abolida casi un siglo antes. La raza negra seguía siendo tratada como una especie inferior con desprecio y rechazo, teniendo este desprecio su máxima expresión en la organización racista Ku Klux Klan. Conocidas son las degradaciones a las se les obligaba a las personas de color, limitando sus derechos por algunas leyes, obligándoles a comer en lugares distintos, sentarse en asientos determinados dentro de los transportes públicos, e incluso siendo prohibidos matricularse en ciertas universidades. Los discursos más potentes en la búsqueda por la integración de la raza negra fueron durante los años 60 por parte de Martin Luther King y Malcom X, con el fin de transformar esta situación a favor de una sociedad igualitaria, convirtiendo a ambos personajes en sendos mitos e iniciando todo un proceso de transformación de la sociedad norteamericana. Durante los últimos 50 años la raza negra Estadounidense se ha ganado el respecto gracias a su enigmática y talentosa música, sus míticos deportivas y sus artistas de renombre bien desde el mundo de las artes plásticas o cinematográficas, 50 años después de la América de los 60, Barack Obama es el primer presidente de color de los Estados Unidos de América, un símbolo sin duda, del cambio hacia armonia entres las razas y culturas, una experiencia sin duda, extrapolable al resto de países europeos. Como se hacia mención al inicio del texto, esta exposición se acerca a Obama, pero no es una exposición monotemática dircursiva sobre Obama, si es una reflexión sobre el cambio, desde la mirada sesgada del europeo y el ánimo de sentir "este cambio" en una sola mirada a través del rizo de su pelo negro. ARTISTAS: Ane Miren · Aixa Takkal · Luis Velasco · Zeta Paitaridou · Javier Jiménez · Marta Rebollo · Andreas & Lukais · Ana Rakel Ruiz · Josep María Ferrero · Rafa Abad · Luis Bueno · Manuel A. Domínguez · Alejandro Durán · Pablo Capitán · Catalina Macan · Regina Quesada · Daniel Diosdado · Stavros Kassis El rizo de tu pelo negro Del 20 al 28 de febrero de 2009. Inauguración viernes 20 de febrero a las 20.00h. Sala la perrera Febrero de 2009 
TEXTO DE LA EXPOSICIÓN: 
YES WE CAN….? Recuerdo con especial cariño aquellas tardes de domingo de cuando era niño. Solíamos ir a comer a casa de mi abuela materna que de seguro prepararía alguno de los platos preferidos por mi hermano y por mí. Mi abuelo siempre me compraba aquellos sobres plateados de cromos de la NBA, que solo podrían ser abiertos si me comía todo y estaba sentado lo que duraba toda la comida. Aquel domingo fue especial, volvimos a casa más tarde que de costumbre, porque mi madre se empeñó en ver esa película con la que tanto lloraba, La cabaña del tío Tom, mientras yo ansioso esperaba a ir al coche para poder abrir mis cromos nuevos. Antes de que mi padre arrancase, apareció el deseado cromo nº 100, con Michael Jordan acercándose a la canasta en un gesto que años más tarde se convertiría en logotipo de las zapatillas con las que todos nos encaprichamos. Mi felicidad era tal que no me importó que mi hermano mayor me obligara a oír una y otra vez ese single de Marvin Gaye, “Sexual Healing”, “son cosas de la edad” decía mi madre…todo me daba igual, tenía el cromo que demostraba que Jordan era mejor que el carcamal de Magic Johnson. Ahora gracias los medios de comunicación puedo revivir aquellos iconos del pasado que tan feliz me hicieron, a escondidas disfruto con las mejores jugadas de mis antiguos ídolos, y muy en secreto, sigo el ritmo con el pie de alguna de las mejores canciones de Boney M. Hoy vuelvo a ser feliz, el cambio del mundo está llegando y cuando regreso a mi casa veo mi habitación igual que la dejé. Solo que ahora, el poster del concurso de mates de mí querido Jordan comparte pared con una foto en la que la esperanza tiene cara de jugador de la NBA, eso sí con un toque Warhol en su diseño, y en su jornada de investidura, Beyoncé canta antiguas canciones de Etta James. La liberación está próxima, y con el tiempo asumo nuevos ídolos, en forma de cromos o portadas de periódico, videos de las mejores jugadas del 96 o mítines que me aseguran que el mundo será más justo a partir de ahora. La última vez que vi el rizo de tu pelo negro, fue para regatearte el precio del cd pirata de Craig David…”son cosas de la edad” YES WE CAN….? Por Iker Fidalgo para LA PERRERA Febrero de 2009 |
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PROGRAMA DE EXPOSICIONES ENERO - JUNIO |
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La Perrera vuelve y renace. Una vez más, el año nuevo ha llegado. Otra vez una vuelta a empezar. Aprovecho y me prometo todo aquello que a lo largo de éste voy a hacer, a pesar que fue, quizás, lo mismo que dije el año anterior. Un momento así es considerado mayormente como un renacer, una oportunidad de mejorar. En esta ocasión el comienzo no ha podido ser más extremo y emocionante, trayéndonos entre otras cosas: dietas, gimnasios, cosas que quedaron sin hacer, rebajas (como de costumbre), crisis y, por supuesto: La Perrera. ¿Estáis preparados, pues, para vivir este nuevo viaje? La Sala La Perrera, dejando atrás las maratónicas y exitosas sesiones del Proyecto El Becerro de Plomo, realiza un cambio de rumbo, tal vez necesario. Plantea una programación desde Enero a Junio, con inauguraciones cada dos semanas. El objetivo ha sido diversificar el producto que se ofrece, dando cabida a dieciocho artistas, seis de los cuales pertenecieron al Becerro de Plomo, alternando entre colectivas e individuales, invitando también a artistas y colectivos externos a La Perrera y reservando tres exposiciones a proyectos comisariados por personas involucradas en el panorama cultural de Valencia. Y la manera de comenzar con todo esto no puede ser de otra manera que con una colectiva multidisciplinar de los dieciocho artistas seleccionados bajo el Título: “El vacío que deja tu boca”, que tendrá lugar el 23 de enero a las 20:00 horas. No quiero dar pistas, prefiero no escribir nada más sobre esta exposición, ni tan siquiera pensar sobre ella y esperar a la interpretación que cada uno de los autores hará sobre esta frase, excesivamente poética, y lo suficientemente subjetiva como para ver en su materialización una excelente variedad y calidad en las obras. Agradecemos la participación en la convocatoria de diciembre a todos aquellos que han enviados sus proyectos para configurar el programa enero-junio de la Perrera. Aquellos proyectos que no han sido seleccionados han pasado a la base de datos de la gestión interna de la Sala la Perrara para las posibles colaboraciones futuras. Antentamente.
La Dirección |
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V INAUGURACION. 7 de noviembre de 2008 |
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El pasado Viernes 7 de Noviembre se celebró la V exposición de la sala La Perrera. Bajo el mandamiento: ”El que hiriere á alguno, haciéndole así morir, él morirá. Y el que hiriese á su padre ó á su madre, morirá. Igualmente el que maldijere á su padre ó á su madre, morirá.” Junto a la individual de Alejandro Durán titulada: “New wave: Glam / Our”
La propuesta de Alejandro Durán se compone de una colección de dibujos que hacen guiño a esa generación de jóvenes de la transición española, caminantes errantes que respiran aires de metamorfosis marciana entre la ética de la libertad, la magia del sonambulismo y la irritante pesadez de una moral tardía. Reflejan el cambio sociopolítico que supuso la transición en España y la explosión cultural y musical conocida como la Movida. Para Alejandro, esta exposición nace por otra motivación que le acerca a la actual propuesta, según comenta el joven artista:
“Hace pocos meses falleció desafortunadamente Quico Rivas, aunque me había cruzado con el en varias ocasiones en Sevilla no le conocía personalmente demasiado, sin embargo, siento una admiración hermana por algunas de sus ideas y comportamientos combativos, cuando surgió la ocasión de realizar esta exposición individual pensé que quería hacer algo impar, a modo de pequeño homenaje personal a Quico Rivas, imagino que el gran homenaje se realizará un día de estos en Sevilla, sin duda es lo que toca. Por Quico llego a New Wave, Glam / Our y con New Wave, Glam / Our reconozco que las rarezas de una España sumergida en el frenesí no me dejaron como un ser inanimado a pesar de ser un crió. Al igual que muchos, pienso que los ochenta fue un disparate maravilloso y no nos olvidemos de sus inicios a finales de los setenta. Creo que existe una urgencia por recuperar algunos comportamientos, cualquiera se aburre de ver tantas “iniciativas vacías” sin motivación alguna que las propicie y tanto tocapelotas entre medio”. |
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IV INAUGURACION. 31 de octubre de 2008 |
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El pasado Viernes 31 de Octubre se celebró la IV exposición de la sala La Perrera. Bajo el tema: “No codiciarás la casa de tu prójimo, no codiciarás la mujer de tu prójimo, ni su siervo, ni su criada, ni su buey, ni su asno, ni cosa alguna de tu prójimo.” Junto a la individual de Julio López titulada: “Gramáticas híbridas”
En esta nueva semana, los diez artistas que componen el proyecto, compaginan un mandamiento con una propuesta participativa. Desde la reflexión producida por las estrategias en el uso del dibujo, Julio López nos invita a participar en lo que, pudimos comprobar, fue un viaje al inconsciente de un dibujo rápido. Los asistentes participaron, se dejaron llevar y vieron como surgió en forma de grafito su gramática particular. |
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