Probablemente, desde la La República, obra de Platón, en la que se mostraba la concepción ideal del estado perfecto, se han sucedido a lo largo de la historia diferentes interpretaciones en relación al pensamiento utópico: Thomas More con Utopia, Robert Owen con la comunidad de New Harmony o Karl Marx y Friedrich Engels con el Manifiesto Comunista, entre otros. Pero, ¿qué ocurre si trasladamos este término al ámbito artístico? ¿de qué museos, galerías o espacios artísticos podríamos hablar?  

En las últimas décadas, dentro del ámbito artístico contemporáneo español, se han creado un gran número de espacios de arte autogestionados, los cuales han intentado o intentan abrirse camino en el mismo circuito del arte. Muchas de estas iniciativas pretenden, en mayor o menor grado, suplir las carencias que vive el panorama institucional español a la hora de apoyar a los creadores emergentes. Deficiencias que se hacen más evidentes si comparamos esta situación con la gran oferta que existe en el ámbito internacional, con una larga tradición en este tipo de espacios alternativos a las propuestas institucionales, así como de programas de residencia para artistas, talleres de artistas u otros modelos de salas expositivas.

El proyecto Join in utopian spaces!, realizado para la Sala La Perrera, pretende convertirse un lugar de reflexión. A partir del concepto de “utopía” (del griego oú, no, y τόπoς, lugar: Lugar que no existe) y de cómo serán mostradas las obras seleccionadas se plantearán diferentes cuestiones acerca de este tipo de iniciativas, que se presentan como espacios “posibles” y “alternativos”. Por otra parte, se propone reflexionar sobre su relación con los modelos de producción de proyectos expositivos y de las prácticas curatoriales, cuestionando los modelos convencionales, que dominan muchos de los espacios y que implican por defecto una dependencia de grandes presupuestos. Pues muchas veces se pasa por alto la posibilidad de encontrar nuevas fórmulas que, tal vez con menos gasto, planteen exposiciones más dinámicas y con una mejor respuesta del público.

De esta forma, el leitmotiv de la exposición será la imposibilidad de realizar el proyecto propuesto. Sin embargo, estas circunstancias darán comienzo al juego, planteando nuevas reflexiones, más allá del carácter utópico de las propias obras y de la misma exposición. En definitiva, una exposición que apuesta por lo experimental con una perspectiva abierta, sin tener nada prefijado.

El comité de selección estuvo formado por tres expertos de reconocido prestigio en el ámbito de las artes plásticas y visuales:

 

 

 

La XIV edición de los coloquios de Cultura Visual Contemporánea,como ya es tradición en el ámbito cultural valenciano, reúne, a partirdel 6 de noviembre, a realizadores de documentales, artistas,profesores universitarios, críticos y gestores culturales.

El primer encuentro, el 6 de Noviembre,  girará en torno al tema "Presencias documentales", con Marta Andreu, de la Universidad Pompeu Fabra, y Chema Rodríguez, realizador, con Rosana Mestre, de la Universitat de València, como moderadora.

El segundo viernes, 13 de Noviembre, los pintores Juan José Aquerreta y Antonio López debatirán sobre "Figuraciones" moderados por Jorge Latorre, de la Universidad de Navarra.

El tercer viernes, 20 de Noviembre,  “Pintura y realidad” será el tema que tratarán los críticos Enrique Andrés Ruiz y Juan Manuel Bonet, moderados por el escritor José Manuel Mora, miembro del consejo asesor de la Fundación Mainel.

El último coloquio, 27 de noviembre, tendrá como tema central "Proyectos, espacios, públicos" y contará con la presencia de Alejandro Durán, miembro-gestor de la Sala la Perrera (Valencia) y director de Los Claveles (Sevilla); María Palacios, directora de proyectos de La Fábrica (Madrid), y Pedro Soler, director de Hangar (Barcelona). El moderador será José Luis Clemente, de la Universidad Politécnica de Valencia.

En esta edición de los coloquios colaboran  el Ayuntamiento de Valencia, la Conselleria de Cultura y el Hotel Astoria Palace y el Colegio Mayor Alameda.

La Fundación Mainel es una institución privada, independiente y sin ánimo de lucro. Constituida en 1990, está dedicada a la cooperación al desarrollo, apoyando proyectos principalmente en América Latina y África, así como al fomento del arte y la cultura.

Valencia, 21 de octubre de 2009.-

Los coloquios se realizarán los cuatro viernes de noviembre a las 19:30 h. en la sede de Mainel, ubicada en la calle Porta de la Mar 6, 8.

Fundación Mainel

En la segunda exposición de la temporada, La Perrera les ofrece un sugerente souvenirs : estampitas religiosas valencianas e imaginería turística mexicana. Les aconsejo que no compren nada, no sería bueno para su salud; bajo su apariencia algo tópica, estas imágenes son tóxicas. Sólo de lejos podrían confundirse con bellos recuerdos de un viaje y un sueño: de cerca ilustran el mundo al revés.

LaTejedoraCCEC y Hechoenoaxaca son dos colectivos alejados geográficamente, pero unidos en su ironía. Aunque son muchas las cosas que los diferencian, ambos hacen de la autoedición una herramienta para difundir sus proyectos tan lejos como el servicio postal les permita. Colonizan, con sus dibujos raros, pisos abandonados y antiguas fábricas de cal, y trabajan en los márgenes de lo que ha pasado a llamarse, muy a su pesar, industria cultural. No quieren formar parte de la oferta turística de la temporada: las ediciones portátiles que presentan en la sala tratan de esquivar los tópicos que acechan a su región. Cada uno, eso sí, a su manera.

LaTejedoraCCEC es un colectivo creado para organizar exposiciones y eventos sui generis (More or less, Costuras, Bordilíneos, LaFurgoneta, El Torito, Después de Usted) y que ha desarrollado su peculiar (anti)estilo tratando cada proyecto como quien planea una campaña publicitaria, atendiendo tan sólo a su merchandising: El Rodete més gran del Món es su mejor ejemplo. Desde que se fundara en 2005 en Valencia, ha ido creciendo hasta acoger a trece artistas: Mik Baro, Noé Bermejo, Juanli Carrión, Sergio Luna, Joseto Martínez, Alfonso Martínez, Yasmina Morán, Giuliana Origgi, Inés Parcero, Tubal Perales, Marta Pina, Lorenzo Sandoval y Ester Torá.
Ante la dispersión natural de sus miembros, y debido a los numerosos contactos que mantienen con otros colectivos, su blog http://latejedoraccec.blogspot.com/ es hoy el nexo que mejor los define. En La Perrera presentan El timo de la estampita, una edición de estampas religiosas que da nombre a la exposición, y que han manipulado sin piedad, quién sabe si para dibujar su hagiografía particular o por el simple capricho de trazar un via crucis por la sala.

Detrás de la etiqueta comercial Hechoenoaxaca se cobijan una veintena de artistas conectados a la bella ciudad turística mexicana de Oaxaca, que quieren trabajar al margen de los tópicos de una zona asediada por los clichés. No son un colectivo al uso, sino un conjunto de afinidades electivas reunidas por Saúl Hernández en el momento en que, sin previo aviso, decidió crear la página www.hechoenoaxaca.org como plataforma de difusión online, a modo de galería virtual y archivo de inquietudes.
Hechoenoaxaca presenta en La Perrera un kit de estampas en miniatura con las propuestas más relevantes de la joven escena oaxaqueña, y que gracias a su formato portátil, se encuentra de gira por todo el Hemisferio Norte. En el kit participan los artistas: Alfonso Barranco, Enrique Canseco, Jorge Castellanos, César Chávez, Pablo Cotama, Miguel Ángel Frausto, Moisés García, Charles Glaubitz, Joel Gómez, Sr. González, Mariana Gullco, Luis Hampshire, Saúl Hernández, Lapiztola, Morelos León Celis, Mako, Rolando Martínez, Txema Novelo, Carlos Ortega, Ana Belén Paizanni, Ángela Sánchez de Vera, Rosa Vallejo y Jessica Wozny.

No les digo más.
Pasen y vean.

La primera exposición de la Tercera Temporada de la Sala La Perrera tiene como protagonistas a Carlos García y Fermín Jimenez Landa que proponen una exposición realizada para la sala bajo el título "Especial". La inauguración tendrá lugar el Viernes día 2 de octubre de 2009 a las 21:00 horas. 

 

Especial, trabajo desarrollado dentro de La Perrera por Carlos García y Fermín Jiménez Landa, parte de los elementos más festivos del mundo del orden y de los más tediosos del mundo festivo. Las recetas caseras para conseguir una cortina de humo a partir de azúcar y clorato potásico de las pastillas para las llagas, los displays expositivos de la Guardia Civil, las balanzas de precisión y el confetti de las fiestas componen esta instalación que no tiene una separación por piezas pero que podemos diferenciar en tres momentos. Uno, el de dos sujetos separando confetti por colores en una mesa, dos, una acción entre tanteo fallido y amenaza casera amigable y tres, dos Guardias Civiles pasándoselo bien.

 

PLAZA es una propuesta interactiva de discusión y reflexión en torno a la educación y la producción en el arte, en la que el tradicional espacio expositivo será utilizado como un lugar heterodoxo de intercambio y conocimiento.

PLAZA propone una serie de formatos que tratan de activar la participación y desbloquear la jerarquía tradicional entre asistentes.
Las jornadas se desarrollan a través de grupos de discusión, corrillos, conferencias epistolares, mesas de debate, pecha-kuchas, desayunos y meriendas, así como exposición de proyectos o dispositivos artísticos. Todo ello articulado en torno a tres áreas temáticas:

MODOS DE HACER
estrategias de producción y gestión en el arte

Modos de Hacer trata de acercarse a la figura del artista como productor cultural en un entorno ampliado de trabajo. Cada vez es más habitual que el artista se dedique a la producción y al proceso de la obra al mismo tiempo que gestiona su contexto económico, político, teórico y plástico.
PLAZA ofrece la posibilidad de acceder a la experiencia de diversos productores y artistas a la hora de organizarse y gestionar su trabajo en los distintos niveles de realización que actualmente conforman la labor del arte. Se trata de abordar los diversos modos de hacer, desde el trabajo individual en el estudio hasta las formas de creación colectivas más recientes, pasando por el taller de artista en su versión contemporánea de fábrica.

RECUPERANDO LA ESTÉTICA
la imagen como elemento de disenso

Recuperando la Estética toma como punto de partida la crítica al uso de "lo estético" dentro del entorno arte para referirse a lo "Artístico, de aspecto bello y elegante"[RAE]. Esta acepción del término, que está plenamente integrada en el lenguaje coloquial, sigue apariciendo de forma alarmante en el discurso de muchos profesionales de la industria cultural; productores y gestores por igual.
En este apartado no sólo se trata de recuperar el sentido de la estética para el debate del arte sino que se trata de enriquecerlo con las teorías más recientes sobre la imagen como lugar de disenso. Entendemos que la imagen nunca es neutral e implica por tanto un posicionamiento político que va más allá del activismo o la afinidad a cualquier signo.
PLAZA establece así un espacio de disputa sobre la ficción y el imaginario que permite el rescate de estos términos clave.

AL MARGEN
otros espacios para la investigación artística

Al Margen incorpora al debate la necesidad de pugnar por nuevos espacios, reglajes y parámetros de interpretación que permitan que la reflexión sobre la imagen y su producción cobre verdadero sentido a través de su práctica.
Se pone en entredicho la función de los espacios que tradicionalmente vienen asociados al arte para poder activar la disensión y evitar así la caricatura que constantemente se viene haciendo de ésta. Para ello, hablaremos sobre diversas iniciativas de investigación en arte ya en funcionamiento mientras en paralelo apuntamos hacia el reciente impulso de los departamentos educativos de museos e instituciones.
Finalmente reconduciremos esas reflexiones hacia un boceto colectivo de lo que podría ser un espacio de investigación en arte con vistas a ser desarrollado.

VER PROGRAMA DEL EVENTO

 BODEGÓN
..´´la composición de un bodegón no empieza en la hora de pintar,sino a la hora de distribuir sobre un  espacio determinado los elementos que se van a pintar´´

´´..La distribución,que a veces parece espontanea, azarosa,es con frecuencia fruto de mucho cálculo y muchas probaturas.´´

´´..la selección ,que es una elección y una eliminación.Se trata de ir desnudando progresivamente todo ese amasijo de elementos y quedarse con los que realmente se desea que protagonicen la pintura. Durante todas estas operaciones,el pintor tiene su imaginación en marcha, está empezando a pensar en formas y en colores, está componiendo mientras recuerda cuadros de Cezanne,Matisse,Van Gogh...´´

´´...copia de su propio archivo mental,de los pintores que le han precedido y que en el momento de preparar su cuadro acuden a su memoria consciente e inconscientemente.´´

..El pintor no se lo ha pensado mucho a la hora de distribuir sus elementos.Rapidamente ha colocado las frutas y los dos recipientes,sin necesidad de hacer pruebas de composición.´´

PAISAJE
´´.. va de un lugar a otro,mira hacia aqui y hacia allá,se mueve en torno al posible motivo,´´pinta´´ ya mentalmente´´

...El artista opera ahora como un director de cine que localiza exteriores para su pelicula.El problema no es solo qué se va a pintar, sino también (como en el caso de cine) desde donde se va a pintar,donde se va a colocar esa camara que en el caso del pintor es su propia persona.´´

´´...al futuro cuadro debe trasladar la suma de sus conocimientos pictoricos y sus experiencias personales con el objetivo de crear una obra distinta a las de todos los artistas pasados y presentes,en la que se va areflejar de modo singular y único todas las reacciones sensoriales que experimenta ante la contemplación del paisaje..´´

´´...puede también fotografiar el paisaje que acaba de pintar,para estudiar luego en la tranquilidad de su hogar,como ha interpretado la realidad del modelo o para tener incluso la oportunidad de rectificar,terminar o rehacer el cuadro.´´

RETRATO
..´´pero antes de empezar.. a pintar...{..}...apuntes en general, de las dimensiones y las proporciones de la cabeza del rostro y del cuerpo y del color carne. Una enseñaza o comentario previo que considero imprescindible en el arte de pintar una figura humana.'''

´´..La modelo esta aqui en el estudio.Le he pedido que viniera con un vestuario determinado..un jersey gris,un foulardo pañuelo para el cuello,de seda ,rojo,y una falda negra.Esta indumentaria responde a una idea que desde hace tiempo queria poner en practica..´´

´´..pero la modelo espera y ya es tiempo de empezar a trabajar  primero determinar la pose de la modelo,sentada,leyendo apoyado el barzo en una mesa sobre la que he situado una tetera,una taza y plato y unas tostadas de pan en otro plato,componiendo una sencilla naturaleza muerta ,al estilo de un cuadro clásico intimista..´´

En el transcurrir de los años, se puede observar como el acto de comer no sólo se convierte en el acto cotidiano, repetitivo e imprescindible por excelencia, sino que traspasa esa mera acción para convertirse también en un acto social que propicia una transformación cultural y que mucho tiene que ver en la construcción identitaria del individuo, como de la propiamente corpórea. Comer  hoy en día, es mucho más que nutrirse. Es una expresión del self y del grupo social, del intercambio entre el hombre y su medio por encima de las consideraciones esencialmente fisiológicas y nutricionales.

 

La comida representa quiénes somos y cómo vivimos, y junto con el acto de cocinar y determinados hábitos y gestos del yantar están siendo utilizadas para promover ciertas formas de identidad local, sexual e incluso transcultural. De tal manera que como afirma Mary Douglas, si se considera la comida como un código, los mensajes que codifica estarían presentes en el modelo de relaciones sociales  que está siendo expresado. El mensaje trata de diferentes modos de jerarquía, de inclusión y de exclusión, de fronteras y de transacciones a través de las fronteras. Así, la comida nos remite al cuerpo, a la vida, al horror, al sexo y a la muerte, a la religión, a la política, a la economía, a ciertas formas de opresión, a la salud, a la medicina. Pero también a algunos conceptos más abstractos, aunque no por ello no normativizados y construidos socialmente, como pueda ser el concepto de belleza, su falsa democratización y todo lo que de ella se deriva. De ésta manera, la comida y la cocina tienen un papel en las representaciones mediáticas e influyen y construyen determinados sentidos y tensiones entre lo propio y lo ajeno, convirtiéndose así  en una representación simbólica del deseo y del consumo. Es esa misma representación, aunque común como categoría, inestable, diversa y cambiante según el contexto, y es ese mismo contexto el que resulta imprescindible para entender los cambios producidos en torno al hecho alimentario y repensar los usos sociales que hoy hacemos tanto de la comida como del cuerpo, y de la comida en relación al cuerpo. Comerás, no comerás, no engordarás, adelgazarás, engordarás forman parte de nuestro lenguaje y de nuestra vida cotidiana.

 

De esta manera, y entendiendo la alimentación como un hecho bio-psico-social, se trata de hacer una lectura de género del hecho alimentario, creyéndola necesaria al derivar de ello la mayor parte de lo que se entiende o no como inherente al género femenino. Para ello, y desde la consciencia de que la trampa de la cotidianeidad puede llevar a constituirla como una experiencia no lo suficientemente obvia a la conciencia que revela todo un abanico de pautas, prácticas, roles y lenguaje construidos socialmente e interiorizados; se pretende desvelar la confusión en que vivimos respecto al comer. Poniendo de manifiesto como dicha confusión se vuelve más arraigada y compleja en el caso de las féminas[1] quedando la alimentación a medio camino entre el premio y el castigo ya desde Eva y la manzana prohibida; y construyendo así la identidad femenina estereotipada en torno a dicotomías y conceptos pseudonaturales en relación directa con su capacidad para la maternidad.

 

Así las cosas, y a partir de la condición-posición de mujer, y de la que como artistas (mujeres) tomamos respecto tanto al acto creativo como al acto culinario se genera la exposición. Entre vómitos, apetitos, gustos y disgustos; y a partir de dos interrogantes claves como ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas ?, cuestión que Linda Nochlin utilizó como título de su artículo publicado en 1971, y de su prácticamente coetánea ¿Por qué las mujeres no han sido grandes Chefs ? formulada por Lois Banner en 1973, se trata de relacionar y/o subvertir el acto de crear con el cocinar, convirtiéndolos en estrategias políticas para una deconstrucción social, cultural y corporal del papel simbólico y físico de las mujeres en las sociedades occidentales actuales.[2]

 

Greta Alfaro, Sarita Montiel Junior y Natalia Umpiérrez me acompañan en este juego casi abyecto, casi tabú que supone la construcción de lo femenino en torno al hecho alimentario. Así pues, el banquete está servido.

 

Buen provecho.

 

Marta Rebolllo

La última exposición individual, de la segunda temporada, en la  Sala La Perrera, tiene como título “Outsider Wings”. Su autor, Luis Velasco (Valladolid 1985), presenta una instalación creada exclusivamente para la sala y que se extiende del interior de la misma, hacia el exterior. De esta forma se crea una interacción entre el espacio de exposición público y privado. Para apreciar el conjunto es necesario que el espectador salga a la calle. Todo ello desenvuelto en una dinámica de repeticiones y diferencias que actúan bajo la representación de lo idéntico.

Para su realización se ha apropiado de carteles publicitarios procedentes de los muros de la ciudad. Lugares donde su presencia, y por lo tanto su ausencia, está en los límites de la legalidad.

 

Según el propio artista, “se tratan de pequeñas historias condensadas, unas historias que viajan y se repiten en cada ciudad”. Así es como nos habla de situaciones cotidianas que escapan a nuestra atención y pasan desapercibidas. Los carteles se convierten en estratos de memoria, y es que el tiempo es el motor de toda la obra, lo que hace que se evidencie dentro de la blancura del espacio.

 

En conversaciones con el joven creador, nos revela que la idea surgió tras la lectura del libro “El guardián entre el centeno”, un libro publicado en tiempos del “nacimiento de una contracultura”. En un par de ocasiones el protagonista se pregunta por el paradero de los patos de Central Park cuando el lago esté helado. Una reflexión aparentemente inocente, pero que invita a mirar la realidad con nuevos ojos.

 

Luis Velasco, es alumno del Máster en Producción Artística en la UPV durante el curso 2009, ha realizado sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. Destacan sus últimas exposiciones individuales en la UAEM del Estado de México y la Universidad Ricardo Palma de Perú.